Pur
(Über Legenden, Klarheiten und die Kunst) 
Von Martin Krusche

Mit welchen Mitteln wird gesellschaftliche Realität konstruiert? Erinnerungen, Wahrheiten und Visionen scheinen sich in diesem Geschäft zu bewähren. Memory, Truth, Vision, abgekürzt: MTV, sind Konzepte, die solchen Geschäften zugrunde liegen. Das ist auch eine Angelegenheit der Kunstschaffenden.
Mein Weg in die Kunst ist von wenigen, sehr trivialen Motiven bestimmt gewesen. Das edelste darunter war die Liebe zur Poesie. Das stärkste darunter war meine Annahme, Poeten hätten bei den jungen Frauen die besten Aussichten auf gesteigertes Interesse.
In jenem Lebensabschnitt eines jungen Mannes, den man „Die Goldenen Jahre des hohen Testosteronspiegels“ nennen könnte, bleibt dieses Motiv dominant, ohne freilich später je ein Ablaufdatum zu bekommen. Seinerzeit mußte ich die ärgerliche Erfahrung machen, daß Musiker, vorzugsweise jene mit kräftiger Stimme und einem Geschick an elektrischen Gitarren, weit mehr Aufmerksamkeit bei den jungen Frauen erregten als die Poeten.
Aber, und das sieht man als junger Kerl nicht voraus, dreißig Jahre später kann ein unverbesserlicher Rock ‚n’ Roller bei einer erwachsenen Frau kaum noch Land gewinnen, wenn vor allem die Selbstverliebtheit, zu der Kunstschaffende gelegentlich neigen, den Mangel an so mancher anderen guten Eigenschaft noch hervorhebt. Dann kann ein Mann also bei Frauen mit den möglichen Qualitäten von Poeten eher Interesse wecken, als mit lauter Stimme und lauter Elektrogitarre.
Sie ahnen schon, was wir in der Kunst eigentlich tun, läßt sich so zusammenfassen: Wir erzählen die Welt immer wieder neu. Mit stets wiederkehrenden Legenden, Verklärungen, aber auch neuen Klarheiten.

Da das Repertoire an Rollenangeboten im Kunstbetrieb über Jahrhunderte von Männern bestimmt wurde, möchte ich kurz einige recht populäre Beispiele kunstbeflissener Selbstdarstellungen skizzieren. Da wären etwa der Künstler als Hofnarr, als Rebell, als Bohemien, als Nonkonformist. Lauter Heldengeschichten! Daneben verblaßt der Künstler als Professional und sonst nichts natürlich mangels glamouröser Auftrittsmöglichkeiten.
Der Künstler als Hofnarr, das ist eine etwas dümmliche Legende, denn die Hofnarren hatten einen grundlegend anderen Job als die Künstler. Außerdem sind mittelalterliche Gepflogenheiten für die Gegenwart wenig aufschlußreich. Aus der Zeit, da wir in Österreich noch einen Kaiser hatten, scheint mir das Amt eines höfischen Narren nicht überliefert zu sein. Vielleicht weil Franz Josef I. sich selbst ein großer Narr gewesen ist.
Die damals aufsteigende bügerliche Welt hatte ebenfalls keinen Bedarf an Narren, setzte statt dessen auf hochkarätige Künstler, war aber für die Schrullen von Bohemiens äußerst empfänglich. Doch wer heute damit rechnen wollte, daß junge Damen errötend in Ohnmacht fallen könnten, weil ein junger Kerl in schlecht sitzender Garderobe, mit einem kecken Hütchen auf dem Kopf, sich kraftvoll daneben benimmt, während er ausdauernd seine eigenen Gedicht rezitiert, dürfte von selbstbewußten Girlies der Gegenwart höchsten Gelächter ernten.
Als in den 1930ern ein weitgehend talentloser Kunstaspirant und arbeitsloser Herumtreiber, nämlich Adolf Hitler, sich aufschwang, um sich mit Cäsaren zu messen, wurde alles, was ihm närrisch erschien, mit mörderischer Konsequenz aus der Welt geschafft. Sein Diktatorenkollege Stalin stand ihm dabei keineswegs nach.

Was heute, in Zeiten, da alles möglich, vor allem aber nichts unmöglich erscheint, ein Nonkonformist sein soll, muß vorerst ein Rätsel bleiben, weshalb sich Kunstschaffende vielleicht besser anderen Geschäften widmen, als gängige Mediengrößen lokalen oder internationalen Formates im Fache der Exzentrik übertrumpfen zu wollen. Schriller als die Schiller oder erbärmlichr als Ozzie Osbourne, das sind keine diskurswürdigen Referenzgrößen.
Seit wir uns nun etwas lanfristiger in Demokratie üben, seit der Faschismus wieder an der Kette hängt, haben wir versucht, die Nachteile von Massengesellschaften kulturell zu mildern, was dem Streben Individualismus immer noch Schubkraft verleiht. Das Närrische steht den Kunstschaffenden dabei offen, um Normen und Konventionen stets neu zu überprüfen. Es braucht erfahrungsgemäß mutige Leute, um die gut eingeführten „gewissen Grenzen“ immer wieder zu überschreiten.

Die Kinder lehren uns, daß es keine radikalere Form des Forschens und Lernens gibt als das Spielen. Forschen und Lernen sind bewährte Anteile künstlerischer Praxis. Also müssen wir bei unserer Arbeit auf spielerischen Arbeitsformen bestehen.
Viele Menschen möchten nur das als Arbeit begreifen, was erhebliche Mühe und wenig Freude macht. Dieser kulturelle Mißstand ist ein ideologisches Problem dieser Gesellschaft. Arbeit, die viel Mühe und wenig Freude macht, ist eine Bürde und richtet Jahr für Jahr einen enormen volkswirtschaftlichen Schaden an.
Dagegen verleihen die Freude und die Wißbegier einem Flügel, die einen über viele Klippen hinwegtragen können. Ich habe freilich keinen Einwand gegen Mühsal, muß aber auf der stets zu stellenden Sinnfrage bestehen. Das Schmerzliche und das Zermürbende sind überaus akzeptable Mittel des Erfahrungsgewinnes, auch in der Kunst. Aber sie sind keine Bedingungen, die zum Prinzip avancieren sollten.
Es kursieren über die Kunst und die Frage nach Freiheiten viele, zum Teil seltsame, auch sehr schlampig angelegte Vorstellungen. Dazu kommt der Mythos von der Berufung. Er verwischt die schlichte Tatsache, daß wir es mit einer Profession zu tun haben, falls das Kunstschaffen nicht davon handelt, seine Freizeit mit einer interessanten Tätigkeit zu beleben.

Das Geschwurbel von der Berufung unterstellt eine „höhere Instanz“, die manchen von uns einen freundlichen Zuruf gönnt, andere mit Schweigen straft. In diesem Bild erkennt man leicht das alte soziale Abhängigkeitskonzept, wie es bis zur Rennaisance als recht unanfechtbar galt. Künstler erhielten ihre Aufträge von allerhöchster Instanz, also von Gott. das geschah durch die Münder seiner weltlichen Statthalter. Also waren die Künstler einerseits den „höheren Prinzipien“, andreseits den Fürsten und Bischöfen verpflichtet.
Diese Abhängigkeit wurde inzwischen über einige Jahrhunderte hinweg aufgebrochen, wenngleich keineswegs ersatzlos gestrichen. Deshalb sollte die „Freiheit der Künstler“ nicht mit der „Freiheit der Kunst“ verwechselt werden. Das sind grundverschiedene Kategorien.
Wer sich heute in der Kunst auf Berufung beruft, meidet dadurch, über seine Talente, seine Kunstfertigkeiten und seine Professionalität zu reden. Diese erlesene Geschwätzigkeit, diese blumige Befindlichkeitsprosa verdeckt, was an der Kunst so brisant ist, nein, brisant sein kann. Daß sie nämlich in ihren größten Kräftespielen die Weltsicht der Menschen verändert. Was freilich nicht allen von uns möglich ist. Auch wenn wir gerne in Demut vor großen Würden zu Hofe kriechen mögen, dort hin, wo derlei Würden verliehen werden können, weshalb sich manche einhandeln, was Karl Kraus gesagt hat, nämlich den Zuruf: „Mach dich nicht so klein, so groß bist du nicht!“

Reden wir über die Arbeit!

Während uns allen einleuchtet, daß eine Ballerina kaum künstlerischen Rang erinnern dürfte, wenn sie nicht über Jahrzehnte an wenigstens 360 Tagen im Jahr ihre Disziplinen übt, während wir gewöhnlich wissen, daß ein Pianist oder eine Geigerin das ebenso leisten müssen, um in ihrem Metier ein beachtenswertes Niveau zu erreichen, scheint das vielen aktiven Leuten in der Malerei, in der Literatur, in anderen Kunstgenres keineswegs so zwingend zu sein. Da trennen sich dann die Positionen und Lager.
Man wird mir kaum widersprechen können, wenn ich behaupte: Professionalität kommt durch Arbeitzszeit. Damit ist aber erst jenes Fundament gelegt, auf dem dann Talente, Inspirationen und andere, viel feinere „Betriebsmittel“ eine Chance bekommen, ihre Wirkungen zu entfalten.
Wie mag es nun um diese Gegensätzlichkeit bestellt sein, wenn erahnbar wird, daß die künstlerische Praxis Disziplinen und Freiheiten gleichermaßen fordert?

Es könnte scheinbar paradox anmuten, wofür man in anderen Kulturen weit besser gerüstet ist, nämlich Paradoxa als „sinnstiftend“ zu begreifen. Denn in Europa neigen wir dazu, die „Wahrheit“ nur dort zu erwarten, wo wir alle Widersprüche eliminiert haben; was übrigens eine kulturelle, vor allem philosophische Konvention ist, die noch nicht gar so viele Jahre auf dem Buckel hat.
Das scheinbar Widersprüchliche ist das „Stabilitätskonzept“ der künstlerischen Praxis. Das Zusammenspiel des Strengen und des Ungebundenen. Zwei unverzichtbare Kraftfelder, zwischen denen ich die Heimat der Kunst sehe. Jener Erfahrung verwandt, die mir als grundlegend für die menschliche Gemeinschaft erscheint. Daß unsere Existenzen immer und unauflöslich zwischen diesen beiden Möglichkeiten festgemacht sind, dem Begehren und der Loyalität, dem Chaos und dem Kosmos. Auf solchen Spannungsfeldern gedeihen wir.

Ich muß, aber ich muß nichts. Da nun, dank Marcel Duchamp, schon einige Jahrzehnte gilt, daß die Kunst nichts müssen muß, daß sie fast alles dürfen darf, redet man uns gerne und leichtfertig von den „gewissen Grenzen“ daher. Grenzen, die nicht gar so genau bestimmt sind, aber eben gewiß, was immer „gewiß“ bedeuten mag, die also auf jeden Fall „gewisse Grenzen“ sind, welche nicht überschritten werden dürften. Zeichnen Sie mir doch bitte einmal eine Landkarte der „gewissen Grenzen“, dann werde ich das Thema gerne und ernsthaft weiter mit Ihnen erörtern.
Diese gewissen Grenzen sind übrigens die Geschwister des „guten Geschmackes“, der wiederum ein Kind des „gesunden Menschenverstandes“ ist. Ich verrate Ihnen: Wir haben es da mit vollkommen trüben Kategorien zu tun. Hohle Phrasen, die jederzeit mit höchst belebigen Inhalten befüllt werden können. Das ist bloß eine Frage der Definitionsmacht, also der Macht, wer sagen darf, was etwas sei.
Wodurch unterscheidet sich der Staatsbürger vom Untertan? Beispielsweise durch das verbürgte Recht, solche dahin behaupteten Phrasen in Frage zu stellen. Das ist keine Domäne der Kunstschaffenden. Aber unter uns werden darin sehr viele geübt sein, weil sich in der Kunst nur wenig erreichen läßt, wenn man das Gegebene als gegeben betrachtet.
Ich vermute, die Grenzüberschreitung und die Kritik, also das Prüfen des Vorgefundenen, gehören zum grundlegenden Rüstzeug Kunstschaffender. Wer darauf aus freien Stücken verzichtet, wird eventuell zu erklären haben, wodurch er in der Kunst mit dem eigenen Tun über ein bloßes Dekorationsgeschäft hinauszukommen glaubt.

Man hat, davon unabhängig, auch jederzeit die Freiheit, ein Genie zu sein, dessen Werke von so bestechender Kraft sein mögen, daß den Fachkräften unserer Deutungseliten das Maul ebenso offen steht, wie auch dem werten Publikum, sobald jemand mit solchen Werken konfrontiert wird. Wer über derlei Möglichkeiten verfügt, wird sich mutmaßlich nur wenigen Debatten stellen müssen. Aber selbst Picasso mußte. Er mußte sich zu Lebzeiten noch zurufen lassen, daß sein Alterswerk ziemlich hingehudelt und teils sehr schlampig gearbeitet sei. Um die debatten über unser Tun werden wir also auf dem Kunstfeld kaum herumkommen.

Egal! Ohne die Differenz wären wir nichts und das Leben würde verlöschen. Einst war meine Zunft noch fast unentrinnbar den Fürsten und Bischöfen verpflichtet. Sehr mächtige Leute, denen man sich beugen mußte, wenn einem an der eigenen Existenz etwas lag. Da rede ich von mehr als einem Jahrtausend Kunstgeschichte. Selbst zu solchen Zeiten war dies eines der wichtigsten Kräftespiele im Kunstgeschehen: Die Grenzüberschreitung und die Kritik, also das Prüfen des Vorgefundenen.
Dabei bleibt genug Spielraum für ästhetische, emotionale und intellektuelle Erfahrungen, für Genüsse und Verzweiflungen aller Art, denen wir uns spielerisch hingeben dürfen, auch verspielt, wie es uns die Kinder zeigen.

Verfaßt für die Ausstellung „pur“
und da vorgetragen am 15. Juli 2008
als Kontrast zum Beitrag „gläserne sätze“
www.van.at/next/code/divan/set05/

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